Luigi Stornaiolo

Pintor Ecuatoriano, nacido en 1956. Su pasión por la pintura y el dibujo nació cuando su padre le regala un libro de dibujo mientras estaba enfermo, Stornaiolo lo lee y lo involucra en el arte. La caricatura fue su primer paso en el dibujo, sus caricaturas de personajes del deporte fueron publicados en revistas y comercios de la ciudad. Estudió arquitectura por tres años, pero su pasión era el arte, entonces abandonó la facultad en 1977. Desde ese año, viajó y comenzó a admirar cuadros y pinturas de maestros en Nápoles. Cuando regresa a Quito, funda Napablaza,  un taller de juguetes de corcho, sin embargo no tuvo el éxito que se esperaba.

Comenzó a dibujar y vender retratos de carboncillo, su primera exposición exitosa fue en 1980 , Luigi expone dibujos lúcidos casi de fotografía en la galería Club de Arte. Es ahí donde recibe el primer galardón de plástica nacional.

Ya casado y con el éxito acompañándolo, viaja a Londres, donde hace pinturas basadas en algunas de la localidad y las vende, así mismo en Madrid queda impresionado por la escuela Flamenca de los siglos XV y XVI y también por los retratistas callejeros en Florencia. Gracias a los viajes que hizo y la influencia de grandes pintores comoGoya, Rembrandt Dalí, Stornaiolo hace su pintura “Moscas”. De regreso, Luigi madura su profesión pero también tiene bajos cuando recibe malas críticas después de exponer en el colegio de arquitectos. En 1986 gana el primer premio en Caricatura del salón municipal de Quito y tercer premio en témpera, representó al Ecuador en la I Bienal Internacional de Cuenca  en donde mostró un estilo contemporáneo, seguro y venerable. Sus pinturas eran detallistas, irónicas y contemporáneas. También participó en la Bienal de Sao Paulo.

Nace otro estilo de Luigi, cuando expone “trazos violentos, rostros monstruosos entre un frenesí de manchas y un lenguaje visual contemporáneo”. Con su obra  “ Gavillas advenedizas haciendo tabla rasa II”, gana el primer premio en el salón nacional Mariano Aguilera en Quito. Su obra “Quien no come arroz no merece la vida”, crea un conflicto en el óleo en donde existe violencia neoexpresionista.

Luigi tuvo problemas en su pierna derecha, el cual afectó su mano derecha, lo que lo llevó a pintar con su mano izquierda, sin abandonar su profesión en 1991.

Ya en 2011, gana el Premio Nacional de Cultura Eugenio Espejo. Algunas de sus obras son: El pianoforte, Encubrimiento exhaustivo no reembolsable, Saturno devorando a sus hijos, salinas 1993, rigor en farra, Susana y los viejos, Referente amazónico (1989), entre otras.

1. Análisis de sus obras

A.) " Referente Amazónico " (1989)

•    Análisis compositivo

Empezando desde el formato compositivo , la pintura presenta un formato vertical el cual le da cierta apariencia de continuidad en su composición, es decir que esta puede continuar en otro lienzo. Esta pintura tiene elementos agrupados y aglutinados, lo que hace que la línea visual del espectador se centre en la actividad dentro del cuadro, las formas de la pintura son cerradas. El peso visual se lo tiene en la parte derecha de la pintura, en donde el tamaño de las figuras es mayor que el de la parte izquierda. 

Tenemos un primer plano (parte derecha de la pintura) debido a su tamaño y segundos planos. La luz se concentra en varias partes de la pintura, dando realce a escenas o expresiones en la pintura. Con respecto al color, hay colores contrastados y fríos así mismo hay colores cálidos para la presentación de los cuerpos humanos y  vehículos. 

Los trazos de la pintura son de mayoría arquitectónica, esto se debe a los estudios anteriores del autor. Se tiene una vista aérea de una calle conocida de la ciudad de Quito, los ejes dibujados son correctos y simétricos lo que le otorga a la pintura estética a nivel de arquitectura así mismo como la proporción de los edificios, el realismo de los vehículos y proporción del cuerpo humano. 

La técnica empleada es óleo, el tema es sobre la vida cotidiana en la ciudad de Quito en 1989. Con respecto al soporte de la pintura, es un lienzo de tela de ahí viene la técnica empleada por el artista. En la perspectiva, se tiene la aérea y jerárquica puesto a que la pintura tiene elementos de mayor tamaño en el plano derecho. Las expresiones de las figuras humanas son variadas: felicidad, enojo, seriedad. Se puede notar que no todos los cuerpos están vestidos y dan una imagen de convivencia social entre personas espectadoras de lo que sucede en la calle Amazonas.

•           Análisis histórico

Partiendo desde su estilo, conceptual y contemporáneo, la pintura “ referente amazónico” hace referencia a la sociedad y su convivencia en la época de 1989. Se puede ver el estilo de los elementos arquitectónicos, la vestimenta de sus figuras, los vehículos a motor, postes de luz, dichos elementos se los podía encontrar en las calles de Quito a partir de ese año. La obra habla por sí sola, la crítica y exposición de un sistema social que se repite en muchas partes del Ecuador y del mundo en la actualidad. 

El aglutinamiento de las personas en la pintura, hace referencia a la  evolución demográfica que se ha ido originando desde tiempos remotos.  La vida cotidiana de las personas también se ve en la pintura, el desafío de la libertad, la obstinada voluntad de visualizar lo que sucede alrededor de la gente. La pintura refleja movimiento, que puede ser motivo de desesperación y expectativa para que algo suceda. 

La tensión social también se puede  apreciar en los elementos de su pintura. Los temas expuestos previamente corresponden a un tópico artístico profano envuelto en un contexto social de la época y que se desarrolla en la actualidad. El análisis de esta obra puede estar contrapuesta por varios criterios de quien la aprecie, sin embargo hay que tomar en cuenta el desarrollo conceptual de las obras del autor, Luigi se influencia por los sentimientos que ha experimentado, lo que ha vivido y visto vivir.

•         Análisis crítico personal

Luigi Stornaiolo es uno de los muchos pintores que realizan obras contemporáneas que muchas veces pueden parecer grotescas y crudas. Sin embargo en mi opinión, demuestran una realidad social que se desarrolló cuando el pintó sus lienzos pero que aún se desarrolla ante nuestros ojos día a día. Primero, el aumento de la población y no solo en una ciudad sino en el mundo, el aglutinamiento de las personas en las calles y casas de la ciudad de Quito sucede en silencio y muchas veces ignoramos cuánta gente circula por las vías, cuánta gente camina por las calles. También lo que pude apreciar en la pintura es el movimiento de las figuras humanas, como si la prisa por realizar algo como cruzar la calle fuera una cuestión de vida o muerte. 

Los desnudos en su pintura, representa lo mal visto o no usual, algo que no se ve todos los días, solo en una pintura. El ambiente es nocturno, debido a las luces del alumbrado público y las luces de los faroles de los autos, el ánimo de las personas es feliz, entusiasta y enfado, son emociones que nos pasan a todas las personas, simboliza  un espejo anímico social.  Las personas son espectadores de lo que se desarrolla en la calle, el nombre de la pintura “referente amazónico” es , para mí, una comparación de un espacio salvaje con la vida en una noche de una ciudad.

La crudeza y realismo de la pintura, es lo que más me llamó la atención así mismo como el manejo del espacio arquitectónico en óleo, los ejes, las edificaciones y la figura humana (cómo el pintor lo transmite por medio de una pintura).

B.) Salinas (1993)

  

•           Análisis compositivo

Analizando el formato compositivo, el lienzo presenta un formato horizontal, así como la pintura anterior, le da una apariencia de continuidad en la pintura. El aglutinamiento o agrupamiento de cuerpos humanos es característica del autor en estas últimas obras estudiadas, la actividad que se realiza es parte visual de lo que la persona que la aprecia puede analizar, en este caso se centra en un día en Salina, una playa en la Costa Ecuatoriana.  Hay figuras masculinas y femeninas, el peso visual se centra en la gente sentada y caminando de la playa, es decir en casi toda la pintura pero se tienen dos elementos centrales que son mujeres de rasgos faciales similares que van caminando sobre los cuerpos de las personas sentadas en la arena. 

Se tiene un primer plano, de las mujeres caminando y personas sentadas en la playa, y en el plano de fondo se pueden ver a personas en traje de baño disfrutando de la playa. La luz se puede apreciar en toda la pintura, lo que da una día de que la escena pictórica se desarrolla en el día, los cuerpos en su mayoría son blancos y se pueden ver algunos bronceados. 

Los trazos son proporcionales a la figura humana (se asemeja a la realidad) , un avión, así mismo como el fondo de ambientes arquitectónicos (edificios en la izquierda), mar y animales. 

La técnica empleada es el óleo sobre lienzo. Algo que se puede notar es que en comparación a otras figuras del artista, esta no presenta figuras de personas desnudas en su totalidad, pero si se demuestra las atrevidas vestimentas de playa en algunas personas y en otras trajes más sencillos (enterizos). Ahora, las expresiones de las personas son variadas: felicidad, seriedad, enojo, entre otras. Algo importante es que Luigi Stornaiolo también pinta animales caninos en la pintura, esto para acercarse a la realidad de las playas ecuatorianas.

-      

• Análisis histórico

Stornaiolo repite su estilo conceptual y contemporáneo, esta pintura “Salinas”, nombre referente a una playa conocida en las costas ecuatorianas, tiene contenido realista de un día de playa. Se puede ver lo moderno del cuadro, debido a la vestimenta de trajes de baño de las personas pintadas (algunos ternos enterizos y otros (bikini) que exponen cuerpos semidesnudos), pero también hay que tomar en cuenta un elemento moderno muy importante que es el avión y cómo aparece ya en la ciudad, así mismo el estilo de los edificios de la ciudad. La obra es una evidencia de las escenas de vida que se podían ver en ese año pero que aún así se lo puede ver estos días y no solo en las playas de Ecuador sino también en el mundo. 

Una vez más, se pueden ver figuras humanas amontonadas unas sobre otras, lo que da un efecto de asfixia a pesar de estar en un ambiente abierto y que se supondría de gran espacio. Algo que hay que resaltar de la época, es la falta de cuerpos voluminosos a excepción de un hombre en el plano izquierdo de la pintura, donde su vientre exagerado es visto por las personas en el cuadro, aquí hay un juicio histórico y social que es el desarrollo de la imagen y apariencia física en los humanos, se puede analizar que las personas con mejor aspecto físico tienen puesto los bikini y aquellas con cuerpos más voluminosos tienen trajes de baño enterizos y por último los cuerpos bronceados comienzan a aparecer en el cuadro.

• Análisis crítico personal

Esta pintura de Luigi Stornaiolo, es un relato en un lienzo. El relato de la vida de mucha gente que va a lugares públicos en dónde la imagen física es muy importante. La mezcla de cuerpos, caras, expresiones me llama la atención de esta pintura así mismo como los elementos ocultos que se pueden encontrar si se detiene a ver la pintura en su totalidad. Partiendo por las mujeres, se puede ver que los cuerpos más “perfectos” se muestran en su totalidad en cambio los más voluptuosos se los esconde en el traje de baño o una camiseta. En la parte izquierda hay una escena muy importante, el hombre que está sacándose la camiseta es admirado por otro hombre (bronceado, cuerpo más estilizado), a su lado derecho hay una mujer con camiseta rosada que esconde su cuerpo y otra mujer en bikini amarillo, hay un contraste entre la actitud masculina hacia los estereotipos sociales y la actitud de vergüenza de una mujer hacia su cuerpo.  Los cuerpos bronceados son escasos. Hay figuras de personas ancianas y una joven, que están leyendo en la playa, algo que hoy en día no se ve en estos sitios concurridos.
Esta pintura es una realidad diaria, a mi criterio, ya que se puede ver la influencia de la sociedad en las personas y su apariencia, la ignorancia en cómo se ven de algunas y la vergüenza en aceptar el cuerpo que tenemos tal y como nosotros lo hemos moldeado.

C.) Baño de mujeres

•  Análisis compositivo

El formato compositivo de la pintura es vertical, indica movimiento en los elementos de la composición. Como es característica de Luigi Stornaiolo, las personas en su pintura se encuentras aglutinadas en un espacio, en este caso un baño de mujeres, lo que da una idea de asfixia, sus formas son cerradas. El peso visual está en el centro de la pintura con la mujer de vestido púrpura y la mujer sentada en un váter. El primer plano corresponde a las tres mujeres (vestido púrpura, mujer acostada boca abajo en el piso con una copa de vino en la mano y mujer con vestido verde) ya que presentan mayor tamaño y también hay segundo plano en donde se puede ver a dos mujeres maquillándose y a otra cambiándose de medias. 

Con respecto al color, se tienen colores opacos para la habitación o espacio en el que están las personas,  los colores de los vestidos varían en opacos y claros, los colores de piel de las mujeres con claros. Las caras de las personas parecen salir de un comic, sus trazos son definidos pero a la vez exagerados  con sus expresiones de felicidad por el consumo de alcohol y el ambiente en el que están. La técnica empleada en la pintura es lienzo sobre óleo, el tema es sobre un espacio social que se da en los lugares de diversión en el mundo. 

Con respecto al soporte de la pintura, es un lienzo de tela de ahí viene la técnica empleada por el artista. Se puede notar que la vestimenta pintada por el artista es de motivo de fiesta, de ahí también se saca la conclusión que la escena se desarrolla en un lugar de diversión.

•            Análisis histórico

El artista Luigi Stornaiolo tiene de nuevo un concepto contemporáneo y realista en esta pintura, primero el nombre es simple pero su pintura da mucho que analizar. El contexto histórico se lo tiene no solo a nivel local sino a nivel mundial ya que desde que el mundo contemporáneo apareció, con este también nacieron las nuevas maneras de libertinaje entre las personas jóvenes y adultas y que ahora también la siguen los niños menores de edad. 

La apariencia y estética femenina es una ley o norma que se rige y sigue con absoluta disciplina, como ejemplo vemos a las mujeres arregladas en la pintura con pronunciado labial rojo hasta a una mujer cubierta la cara con pintura blanca en su totalidad. La contextura de las mujeres es delgada (se lo puede ver por el collar de huesos en la mujer de la derecha y las facciones faciales). 

El alcohol es algo que si falta en una celebración, no se le atribuye buenas críticas, en la actualidad desde los años 90 se ve más libertinaje entre género, las mujeres salen a reuniones más a menudo, el estado de embriaguez es más frecuente y el tabú de que las mujeres solo son para estar en casa desaparece.

•          Análisis crítico personal

 Otra realidad social contemporánea se puede apreciar en este cuarto de Luigi Stornaiolo, en este caso más concentrado en las mujeres y su actuación en una celebración pero enfocado en un ambiente en que solo las mujeres pueden entrar. Una vez más se ve que el pintor enfoca a la mujer y la estética de la mano, la apariencia como algo fundamental que se maneja a diario, la vestimenta atrevida y llamativa para resaltar en una reunión o fiesta social. 

Me agrada esta pintura, ya que la tomo como una denuncia social y evidencia del cambio de actitud de un género humano que fue y sigue considerado como débil en la sociedad. Las mujeres han sabido romper los tabús sociales, pero en esta pintura también se puede ver que no se olvida la importancia de la apariencia y figura física. El cambio de un espacio debido a la gente que lo frecuenta es abrumante y a la vez de asombro, en este caso un baño de mujeres. Las mujeres hemos sido catalogadas como pulcras, ordenadas, recatadas, sensibles y limpias, pero en esta pintura se tiene un contraste de lo que se llama “mujer”, el género femenino se encuentra presente pero sus características han cambiado hace años.